EJES CURATORIALES DE LA 60° BIENAL DE ARTE DE VENECIA: STRANIERI OVUNQUE

Dario Parejas 139 visitas 5 minutos de lectura

por: Magdalena Lizarraga – Magíster en Curaduría de Arte Contemporáneo

RESUMEN
Este ensayo propone un análisis crítico de los ejes curatoriales de la 60ª Bienal de Arte de
Venecia, titulada Stranieri Ovunque, en relación con conceptos de identidad, migración,
utopía y activismo. A través del estudio de obras específicas, se busca comprender cómo el
arte contemporáneo representa la condición de lo extranjero en sus múltiples dimensiones,
desde subjetividades disidentes hasta realidades históricamente marginalizadas.
Se exploran las propuestas de artistas como Bárbara Sánchez-Kane, Yinka Shonibare, Isabel
De Obaldía, Doruntina Kastrati y Dana Awartani, entre otros, cuyas obras abordan la figura
del “otro” mediante lenguajes visuales diversos. Desde una perspectiva crítica, se incorporan
las reflexiones teóricas de los autores Boris Groys sobre el arte activista y de Andreas
Huyssen sobre la utopía como herramienta imaginativa. En este marco, la Bienal se plantea
como un espacio de resistencia simbólica, donde lo extraño no es excluido, sino puesto en el
centro del discurso curatorial.
TEMA CENTRAL: STRANIERI OVUNQUE
La 60ª Bienal de Arte de Venecia articula su propuesta en torno a una familia de palabras que
comparten una raíz común: straniero (italiano), estrangeiro (portugués), étranger (francés)
y extranjero (español), todas relacionadas con lo extraño: strano, estranho, étrange, extraño.
Según los diccionarios American Heritage y Oxford English Dictionary, el primer significado
del término queer es precisamente “extraño”, lo cual habilita un eje curatorial centrado en
figuras que han sido históricamente marginalizadas: el artista queer, que transita entre
géneros y sexualidades no normativas; el artista outsider, excluido del circuito oficial,
autodidacta o popular; y el artista indígena, frecuentemente tratado como foráneo incluso en
su propio territorio. Esta edición propone disolver las fronteras entre obra y biografía,
haciendo del arte una extensión vital de la experiencia del creador.
Adriano Pedrosa, curador general de la muestra, plantea que “todos somos extranjeros”; que
lo extranjero no es solo una condición externa, sino también interna: “Nel profondo si è
sempre stranieri” (Pedrosa, 2024, p. 54). Desde esta perspectiva, lo extraño se resignifica
como una clave de lectura del presente.
EJES CURATORIALES Y ARTISTAS EJEMPLIFICADORES
3.1. Identidad de género
La obra de la artista mexicana Bárbara Sánchez-Kane, Prêt-à-Patria, despliega una crítica
mordaz a los rituales de masculinidad nacionalista mediante una instalación que combina
video, vestuario y escenografía. Los uniformes militares se ven atravesados por elementos
performativos -como ropa interior femenina o tacones de payaso- que subvierten la rigidez
del poder patriarcal. La artista denuncia la violencia simbólica e institucional que moldea las
identidades de género, desmontando la coreografía marcial con ironía y provocación.
3.2. Inmigración y desplazamiento
En este eje se destaca Refugee Astronaut de Yinka Shonibare, una escultura de un astronauta
vestido con textiles africanos que lleva consigo lo esencial para sobrevivir. La obra subvierte
la figura del conquistador espacial y lo convierte en un nómada desplazado por conflictos
globales o crisis climáticas. Shonibare instala así una narrativa visual sobre el desarraigo y la
resiliencia.
Por su parte, Isabel De Obaldía, en Selva, construye una instalación multisensorial que evoca
el cruce por el Tapón del Darién, frontera natural entre Colombia y Panamá, recorrido en
2023 por más de 500.000 personas. A través de dibujos monumentales, esculturas de vidrio y
ambientación sonora, la artista documenta las marcas físicas y emocionales del
desplazamiento.
Asimismo, la video instalación Rutas y viajes presenta testimonios de migrantes proyectados
en pantallas múltiples, acompañados de mapas visuales. El lenguaje visual convierte los
kilómetros recorridos en paisajes emocionales y cartografías afectivas.
3.3. La utopía
La utopía, más que una promesa futura, aparece aquí como una forma de resistencia presente.
Siguiendo a Andreas Huyssen, no se trata de un ideal inalcanzable, sino de una herramienta
crítica para imaginar nuevos horizontes. Y en línea con la que plantea la filósofa Elena
Oliveras ya no tiene sentido luchar por una sola utopía totalizadora; en su lugar, emergen
microutopías: formas de acción artística que enfrentan los problemas del presente con sentido
y resistencia. Cada microutopía es una batalla distinta, una acción situada que transforma el
dolor en posibilidad y visibilidad.
Dana Awartani, con Come, let me heal your wounds, utiliza textiles artesanales impregnados
de hierbas medicinales como símbolo de sanación frente a la violencia colonial y
fundamentalista. Los 355 parches que componen la obra evocan heridas del patrimonio
cultural árabe y asiático, proponiendo una cura simbólica desde el conocimiento ancestral y la
sostenibilidad.
Por su parte, Doruntina Kastrati, en Gli echeggianti silenzi del metallo e della pelle, visibiliza
las condiciones laborales precarias de mujeres en Kosovo. Sus esculturas metálicas evocan
tanto implantes quirúrgicos como cáscaras de nuez -ingrediente del dulce tradicional lokum-
aludiendo a los cuerpos desgastados por la explotación industrial. La composición sonora
subterránea genera una experiencia inmersiva que conecta el dolor físico con la dimensión
política del trabajo.
CONCLUSIÓN
Stranieri Ovunque configura una cartografía curatorial donde lo extranjero es el centro. En un
mundo marcado por fronteras cada vez más rígidas, la Bienal reivindica el lugar del extraño
como espacio de interpelación crítica y afectiva. A través de obras que entrelazan cuerpo,
memoria y territorio, esta edición propone el arte como un terreno fértil para imaginar otras
formas de comunidad, donde habitar la mirada del otro se vuelve un acto político y poético